Уик-энд в Венеции

Продолжение рассказа о поездке в Венецию. Начало здесь.

Из-за задержки рейса купленные заранее онлайн билеты в музей Пегги Гуггенхайм, скорее всего, пропали. Но мы не теряем надежды встретиться с прекрасным и своего решения не меняем. С утра по холодку идем осматривать коллекции знаменитой галеристки и меценатки.

* * *

Пока идем, сделаем небольшую историческую подводочку.

Гуггенхаймы были одной из самых знаменитых еврейских семей Нью-Йорка. Их имя неразрывно связано с современным искусством. Однако в мире культуры за этой фамилией стоят два совершенно разных человека: Соломон и Пегги Гуггенхайм, – дальние родственники, каждый из которых сыграл ключевую роль в популяризации авангардного искусства XX века.

Соломон Гуггенхайм был американским промышленником и меценатом. Коллекционированием он увлекся уже после отхода от дел. В 1937 году в Нью-Йорке он основал фонд своего имени, где после его смерти открылся знаменитый музей.

Пегги Гуггенхайм, его племянница, имела мало отношения к бизнесу. Ее отец, Бенджамен Гуггенхайм, погиб во время крушения "Титаника" в 1912 году. Наследница его гигантского состояния, Пегги, находясь в гуще европейской арт-сцены 1930–40-х, начала собирать авангардное искусство.

* * *

Кстати, история последнего плавания отца Пегги достойна того, чтобы уделить ей несколько строк.

Бенджамен Гуггенхайм поднялся на борт «Титаника» вместе со своей любовницей, французской певицей Леонтин Обар, и ее горничной. После столкновения лайнера с айсбергом Гуггенхайм и его камердинер Виктор Джильо надели спасательные жилеты и поднялись на палубу. Гуггенхайм усадил женщин в шлюпку, убедив их, что это всего лишь небольшая поломка и вскоре они увидятся.

Понимая, что ситуация намного серьезнее и ему не удастся спастись, Гуггенхайм вернулся с камердинером в каюту, где они переоделись в смокинги, а затем уселись за столиком в центральном холле, где Гуггенхайм неспешно потягивал виски, наблюдая за катастрофой. Когда кто-то предложил им попытаться спастись, Гуггенхайм ответил: «Мы одеты в соответствии с нашим положением и готовы погибнуть как джентльмены».

После гибели Бенджамина Гуггенхайма эта сцена стала знаменитой, и его персонаж неоднократно появлялся в различных фильмах о крушении «Титаника».

* * *

После смерти Пегги в 1979 году ее коллекция и дом стала частью Фонда Соломона Гуггенхайма, объединив таким образом два собрания (и имена их владельцев) в единое целое.

Но позвольте нам вернуться к нашему повествованию.

На кассе объясняем ситуацию с отложенным рейсом и, о чудо! нас пропускают по просроченным билетам.

Peggy Guggenheim Collection
Address: Palazzo Venier dei Leoni, Dorsoduro 701-30123 Venice
Site: www.guggenheim-venice.it

После Второй мировой войны Пегги Гуггенхайм вернулась в Европу. В Венеции она приобрела недостроенный Palazzo Venier dei Leoni, спроектированный в 1748 году архитектором Лоренцо Боскетти для знатного венецианского рода. К этому времени дворец представлял собой одноэтажное строение с лаконичным фасадом из истрийского камня, украшенным львиными маскаронами на уровне воды.

Здесь и открылась галерея, где выставлены работы кубистов, сюрреалистов, абстракционистов и прочих экспрессионистов. Коллекция впечатляет! Мы ожидали увидеть стандартную подборку всех модернистских музеев мира, но, вроде, и то, да не совсем. Представлены всем известные имена – от Малевича с Кандинским и Шагалом до Робера Делоне, Мориса Луиса, Макса Эрнста (кстати, мужа Пегги Гуггенхайм), Пикассо, Миро, Магритта, Дали и Поллока. Особенно привечала меценатка местных художников Эдмондо Баччи и Танкреди Пармеджани.

Приходить в этот музей все же стоит пораньше. Постепенно залы наполнялись посетителями, и к некоторым работам подойти было уже трудновато.

* * *

В 1941 году, спасаясь от нацистов, Пегги Гуггенхайм выехала из оккупированной Франции в США, прихватив не только свою коллекцию, но и группу художников-эмигрантов. Среди них был Макс Эрнст, немецкий живописец, один из основателей дадаизма и сюрреализма. Пегги помогла ему бежать из французского лагеря для интернированных, и вскоре между ними вспыхнул роман.

Их отношения были полны страсти и непримиримых противоречий. Эрнст был харизматичным, свободолюбивым и непредсказуемым. Пегги, несмотря на эксцентричность, была деловой женщиной, сосредоточенной на создании коллекции и поддержке искусства. Ничего удивительного в том, что брак их продлился недолго. В 1946 году, всего через четыре года после свадьбы, Пегги и Макс расстались. Эрнст ушел к американской художнице Доротее Таннинг, которая стала его спутницей до конца жизни. Пегги позже писала о разрыве с горечью, но сохранила уважение к таланту Макса. В ее коллекции представлены яркие образцы работ художника.

Работа создана в период, когда Макс Эрнст активно развивал сюрреалистическую живопись, применяя коллаж, автоматизм и собственные техники вроде фроттажа (оттиск) и граттажа (соскабливание краски для создания текстур). В «Jardin gobe avions» Эрнст иронично и поэтически сталкивает естественное (сад) с технологическим (самолет). Картина перекликается с его более поздними «пейзажами-катастрофами» и аллегориями, где мир постоянно разрушается и трансформируется.

Эта картина Макса Эрнста – одна из наиболее загадочных и многослойных в коллекции Пегги Гуггенхайм. Работа выполнена в типичном сюрреалистическом ключе, где соединяются сны, мифы, личные аллюзии и тревожные образы.

"Антипапа" был написан во время бурного, но краткого брака Эрнста с Пегги Гуггенхайм. В центре можно различить фигуры с лошадиными головами, типичный для Эрнста образ из мифологии и подсознательного (часто он отождествлял себя с лошадью). Зеленая фигура – возможно, сама Пегги Гуггенхайм, а в полуголой девочке со скрытым лицом иногда видят Пегин, ее дочь.

Дочь Пегги Гуггенхайм и писателя Лоуренса Вейла. Уже в 12-летнем возрасте на ее картины обратил внимание известный сюрреалист Ив Танги.

Отношения Пегин с матерью были напряженными: она пыталась заслужить внимание Пегги, но часто чувствовала себя непонятой. Это отражается в ее автопортретах и сюжетах. Интересно, что на предыдущей картине Макса Эрнста она изображена в непорочном, «ангельском» облике, в противовес мрачной фигуре ее матери. Во всяком случае, такова одна из трактовок.

Пегин Вейл жила в глубокой депрессии, о чем прямо говорили близкие. 1 марта 1967 года она покончила с собой, приняв смертельную дозу снотворного.

Работы Пегин – уникальный сплав сюрреализма и наивного стиля, с «кукольными», слегка жутковатыми персонажами и черным подтекстом.

«Милая моя Пегин, которая была мне не только дочерью, но и матерью, другом и сестрой... Ее безвременная и загадочная смерть оставила меня в полном одиночестве. Не было на свете никого, кого бы я так любила. Я чувствовала, что весь свет ушел из моей жизни. Пегин была талантливейшей художницей-примитивисткой. В течение многих лет я лелеяла ее талант и продавала ее картины. Она только начинала добиваться настоящего успеха, выступая той зимой в Канаде, Стокгольме и Филадельфии».

Пегги Гуггенхайм «Из этого века»

At the Seaside
1945. Холст, масло

* * *

Пятьдесят лет назад умер Пабло Пикассо (1881–1973). В честь этой печальной даты в залах палаццо представлены все работы испанского художника из коллекции Пегги Гуггенхайм.

В начале XX века Пикассо и французский художник Жорж Брак разработали кубизм – революционный подход к изображению реальности, который изменил ход современной живописи. Коллекция Гуггенхайм включает шесть работ Пикассо, от кубистского шедевра «Поэт» (1911) до «Портрета мужчины в полосатой футболке» (1939), отражающих развитие его визуального языка.

Пегги Гуггенхайм с юности была очарована авангардом и, естественно, Пикассо стоял в ее пантеоне. Однако она понимала, что Пикассо – уже «слишком великий», чтобы быть частью ее собрания, целью которого было открытие новых, недооцененных художников. Она писала в своих мемуарах: «Я не планирую собирать Пикассо. За него уже взялись другие».

Сама Пегги вспоминала встречи с Пикассо, в основном, во время ее пребывания в Париже перед Второй мировой войной. По ее словам, он был высокомерен, саркастичен и довольно пренебрежителен, особенно когда она приезжала с предложениями сотрудничества. Однажды она посетила его мастерскую в Париже, надеясь купить работу. Он встретил ее без особого энтузиазма, ответив на вопрос о цене раздраженным: «Ты не можешь себе это позволить».

Тем не менее, она приобрела несколько его работ, и они были впервые представлены вместе с остальной частью ее коллекции на первой послевоенной Венецианской биеннале в 1948 году. Это событие стало настоящей исторической и культурной вехой, так как представило публике наиболее актуальное искусство того времени.

Пабло Пикассо
На пляже
1937. Холст, масло, мелки

Это выразительное полотно иллюстрирует переход Пикассо от кубизма к более гротескным, фантазийным формам. Фигуры на пляже напоминают скульптуры или маски, и демонстрируют влияние набирающих силу примитивизма и сюрреализма.

«Мечта и ложь Франко» представляет собой написанную Пабло Пикассо в 1937 году серию из двух листов гравюр, состоящую из 18 отдельных изображений и сопровождающего их стихотворения в прозе. Первоначально отдельные изображения предназначались для публикации в виде открыток с целью сбора средств для испанского республиканского правительства и продажи в испанском павильоне на Всемирной выставке 1937 года. Было ли это в итоге сделано, остается неясным.

В гравюрах высмеиваются претензии испанского генералиссимуса Франсиско Франко на представление и защиту консервативной испанской культуры и ценностей, одновременно с этим разрушающего Испанию и ее культуру.

«Мечта и ложь Франко» примечательна прежде всего как первая открыто политическая работа Пикассо. Три изображения, добавленных в июне 1937 года, напрямую связаны с набросками к «Гернике». Впрочем, о последней поговорим отдельно и в соответствующем месте.

* * *

Что ж, поговорим о других кубистах, чьи работы представлены в коллекции Гуггенхайм.

Музыкальные инструменты часто встречаются в кубизме, особенно у Брака, который сам играл на скрипке. Музыка для кубистов была метафорой абстрактного языка искусства, не привязанного к сюжету.

В 1913 году кубизм находился на пике своего развития, а Брак уже активно исследовал возможности синтеза форм и поверхностей. Картина «Кларнет» – прекрасный пример этого периода. Она также демонстрирует отход от строго аналитического подхода раннего кубизма к более декоративному и структурированному стилю.

Брак здесь использует смесь песка с краской и коллаж, нарушая тем самым традиционные границы между живописью и реальным материалом. Это подчеркивает "материальность" искусства и в то же время ставит под сомнение иллюзию объема. Подобная техника позволила художнику сочетать живописные и графические элементы в одной плоскости.

Испанский художник, близкий к Пикассо и Браку, Хуан Грис отличался от них более структурированным подходом к кубизму. Если Пикассо был склонен к экспрессии, а Брак – к приглушенной палитре, то Грис был точен, декоративен и почти математичен в композиции. Он считается одним из ключевых мастеров синтетического кубизма, где реальность не разбивается на фрагменты (как в аналитическом кубизме), а собирается из стилизованных форм и текстур, иногда с элементами коллажа.

Меценже – французский художник, теоретик и один из важнейших представителей раннего кубизма. Он был не только практиком, но и идеологом направления. В 1912 году вместе с Альбером Глезом он написал манифест "Du Cubisme", где изложил философию и методы кубистической живописи. Меценже занимал особое место между Пикассо, Браком и будущими синтетиками, придавая большое внимание ритму, композиции и научной перспективе.

«На велодроме» – одна из первых в истории живописных попыток изобразить спорт, движение, скорость в кубистской манере. Главный герой картины – французский велогонщик Чарльз Круба, победитель гонки "Париж-Рубе" в 1911 году. Его имя даже читается в подписи на трибуне. Вид передается одновременно с разных ракурсов, типичный прием кубизма.

В этой работе Меценже делает попытку соединить кубизм с идеями футуризма: не только разобрать форму, но и изобразить течение времени, как это делали, например, итальянские футуристы (Боччони, Балла). Его гонщик не стоит на месте, он словно движется одновременно во многих моментах и точках зрения. Это одна из немногих спортивных тем в раннем модернизме.

Еще одна работа, интересная попыткой передать динамику движения:

Швейцарско-немецкий художник, один из самых утонченных и поэтичных мастеров модернизма. Его искусство находится на пересечении экспрессионизма, кубизма, сюрреализма и примитивизма. Клее был не только художником, но и теоретиком: преподавал в Баухаузе и оставил после себя обширные записки о природе искусства, цвета и формы. Он часто говорил, что художник должен не копировать реальность, а проникать в суть вещей, как это делает природа.

Одно из ранних шедевров Поллока в технике "дриппинг" (беспорядочное, энергичное нанесение краски), ставшем фирменным стилем художника. Пегги Гуггенхайм сыграла важную роль в судьбе Поллока: именно она первой начала выставлять его картины в Нью-Йорке и активно поддерживала его как меценат.

Луи Маркусси (Людвик Маркушевский) родился в Варшаве, позже переехал в Париж. Стал частью круга кубистов и сюрреалистов, общался с Аполлинером, Пикассо, Браком. Работал с литографией, рисунком и коллажем, создавая графически насыщенные, интеллигентные композиции. Его работы часто связывают с поэзией: он стремился соединить слово и образ, что видно и в «L'Habitué».

Картина выполнена в позднекубистической манере, с резкими плоскостями, наложениями, фрагментами предметов, букв и силуэтов. Центральной фигурой является силуэт человека, сидящего в кафе и окруженного атрибутами богемной жизни.

Одна из тринадцати картин серии «Окна», написанных Делоне в период с апреля 1912 по январь 1913 года. Эта композиция цветов и видов с крыш Парижа на Эйфелеву башню (зеленая сужающаяся конструкция в центре композиции) олицетворяет природы и технические достижения человечества. Наложенные друг на друга цвета и прозрачные плоскости расположены так, что взгляд постоянно перемещается по поверхности картины, вызывая, как того хотел Делоне, возвышенное поэтическое или лирическое сознание, сравнимое с тем, которое вызывает музыка.

В правой верхней части картины виден греческий белый крест. Он изображен на клетчатом фоне. Вместе с полумесяцами, похожими на кожуру арбуза, все это напоминает русские иконы из юности художника.

* * *

В музее Пегги Гуггенхайм в Венеции представлена выдающаяся коллекция сюрреалистического искусства, сформированная с конца 1930-х годов. Сюрреализм был особенно близок Пегги, она не только коллекционировала этих художников, но и общалась с ними лично, часто продвигая их на ранних этапах.

Пегги Гуггенхайм показывала сюрреалистов еще до войны, во время коллективных выставок в Лондоне и Париже, а также в своей нью-йоркской галерее Art of This Century. Сюрреализм стал краеугольным камнем ее коллекции, потому что он позволял визуализировать личные и психологические миры, нечто, что сама Пегги глубоко ценила.

Эта картина – классический пример сюрреалистического пейзажа Ива Танги. Название уже отсылает к двойственности: свет (солнце) заключен в некую закрытую, возможно, мертвую оболочку. Это типичная метафора для сюрреализма, где реальность предстает как сон, а предметы – как знаки без однозначного значения.

Картина была создана в период активного сотрудничества Танги с Андре Бретоном и группой сюрреалистов. Пегги Гуггенхайм приобрела эту работу вскоре после знакомства с Танги в Париже и высоко ценила его талант.

Хоа́н Миро́ (Joan Miró, 1893–1983) – испанский художник и скульптор, один из наиболее узнаваемых мастеров сюрреализма, хотя его стиль развивался на стыке нескольких направлений: от каталонского наивизма и фовизма до дада и абстрактного экспрессионизма.

Миро официально примкнул к сюрреалистам в 1920-х годах и участвовал в их выставках, однако его стиль – гораздо более поэтический и абстрактный, чем у большинства его соратников. Он сам говорил: «Я стараюсь убежать от живописи в чистом виде, создать поэзию живописи и живопись поэзии».

Жан Дюбюффе (1901–1985) – французский художник, скульптор и теоретик, который радикально переосмыслил природу искусства, отвергнув академические каноны и эстетику элиты. Он стал известен как создатель и главный вдохновитель концепции "арт брют" (от фр. art brut – "грубое искусство"), под которой понимал творчество, идущее от маргиналов, детей, душевнобольных, людей, не связанных с художественными школами и рынком. С этим направлением мы уже познакомились в Лозанне, где собрана целая коллекция "грубого искусства".

Дюбюффе начал заниматься живописью сравнительно поздно, после 40 лет, оставив семейный бизнес (он был винным торговцем). Его стиль – предельно сырой, нарочито "наивный", с использованием необычных материалов: песка, гравия, цемента, коллажа, асфальта. Он стремился разрушить границы между "высоким" и "низким" искусством, придавая ценность спонтанному, неотшлифованному выражению чувств и образов.

В коллекции Пегги Гуггенхайм представлены его характерные работы, в которых чувствуется и протест, и детское восприятие мира. Это отражает интерес Пегги к художникам, идущим против течения – таким, как Поллок, Эрнст, Бекон или Дюбюффе. Она высоко ценила его вклад в освобождение искусства от академизма и институционального давления.

* * *

Во дворике палаццо стоит еще одна работа, которая мало кого оставляет равнодушным.

Как сказано в сопровождающей работу аннотации, "в «Ангеле города» поза мула контрастирует с прямым телом всадника, а тяжелая округлая задняя часть животного – с уплощенной мордой. Изображение воплощает грубую жизненную силу этрусской скульптуры, а устремленный вверх взгляд всадника предполагает поклонение солнцу. Метафорически рыцарь и конь обозначают напряжение между духом и материей, экстазом и спокойствием".

Но не экстазом и спокойствием потрясает работа! Впрочем, не меньше нам понравилось наблюдать за созерцателями ангела. Можно отдельное видео снимать :-)

* * *

Прибыв в Венецию в 1947 году, Пегги Гуггенхайм продолжает заниматься коллекционированием, но уже в новом направлении: она начинает поддерживать и приобретать работы местных итальянских художников.

В 1951 году Гуггенхайм знакомится с художником из Фельтре – Танкреди Пармеджани – и вскоре начинает активно его поддерживать: назначает ему ежемесячную стипендию, предоставляет мастерскую в подвале своего палаццо и организует выставки, в том числе у себя дома, в 1954 году.

Другой итальянский художник, поддержанный Гуггенхайм, венецианец Эдмондо Баччи, участвовал в движении спациализма. Основанный Лучо Фонтаной в середине 1940-х годов, спациализм продвигал новое искусство пространства, превращая холст в реальность, сопоставимую с космосом. Танкреди развивает собственную поэтику бесконечного пространства, исследуя отношения между знаком, цветом и светом.

Эдмондо Баччи считается одним из наиболее поэтичных представителей итальянского послевоенного авангарда. Художник сумел соединить венецианскую традицию цвета с языком современной абстракции.

Родившийся в Венеции в 1913 году, Баччи с юности оказался под влиянием света своего родного города – света лагуны, отражений воды, прозрачной атмосферы и богатой живописной традиции. Он, как и художники движения спациализма, проявлял интерес к световому колоризму мастеров венецианской живописи, таких как Джованни Беллини и Джорджоне, но прежде всего к пространственности грандиозных фресок и небес Джамбаттисты Тьеполо, в произведениях которого свет и пространство становятся главными героями. Это особенно хорошо видно в его работе «Страшный суд» (около 1730–35 годов), представленной здесь.

В картине Avvenimento #31-A (Esplosione) («Событие №31-А (Взрыв)») 1967 года "привычное классическое разделение пространственных планов растворяется в множестве подвижных точек, рождая многомерную среду. Цвет становится почти прозрачным, дематериализуется, позволяя увидеть своеобразную «архитектуру пустоты»".

Сегодня Эдмондо Баччи воспринимается как один из художников, сумевших превратить абстракцию не в холодную геометрию, а в эмоциональную и почти музыкальную форму живописи, где главными героями становятся свет, цвет и бесконечное пространство.

Эджидио Костантини, основатель «Кузницы ангелов» (Fucina degli Angeli), создал двадцать три скульптуры по проекту Пабло Пикассо в 1964 году. Пегги Гуггенхайм признала оригинальность работ Костантини и поддержала его финансово для спасения мастерской, которую он едва не закрыл.

В 1969 году она писала: «Костантини ... единственный человек в Венеции, который с восемнадцатого века создавал поистине художественные скульптуры из стекла. Это делает меня счастливой, и я радуюсь каждому его успеху».

Хорошие книги – всегда в магазине Polonskybooks!

Продолжение следует...

Похожие путешествия:

Италия. Венето. Fly & drive;

В Ломбардию Ryanair’ом (через Финляндию);

Прогулки по Вечному городу;

Закрываем гештальты в Милане;

Все наши путешествия.